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Fotos y libros, España 1905-1977

Posted in exposiciones, Fotografía on Agosto 18th, 2014 by Luz – Be the first to comment

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El Museo Reina Sofía (Madrid) acoge la exposición Fotos & libros. España 1905-1977, un recorrido por la historia del fotolibro español, que comienza a principios del siglo XX y termina a mediados de los años setenta, con una selección de obras de la colección del propio Museo, contextualizadas y acompañadas de un variado material complementario.

Durante mucho tiempo, la consideración estética de la fotografía se limitó a imágenes individuales, capaces de funcionar de manera semejante a pinturas o grabados, esquema desarrollado igualmente por historiadores y conservadores de museos para formar un canon de “obras maestras” para su estudio y exhibición. Pero este modelo no es el único, y muchos fotógrafos no pueden sintetizar su trabajo en una sola imagen, concibiendo su obra en forma de serie.

Ambos modelos generan dos historias de la fotografía coherentes: una compuesta por fotos para colgar en las paredes, con un número limitado de copias, a la venta en galerías de arte; y otra en forma de libros, con posible reedición, disponibles en librerías. La mayoría de los fotógrafos prefieren esta última opción: “los cuadros en las paredes y las fotos en los libros” (Cartier-Bresson).

Presentar, comunicar y leer

Un fotolibro es una publicación compuesta por fotografías ordenadas como conjuntos de imágenes con argumentos y significados complejos. Es el medio utilizado por algunos de los principales fotógrafos para producir sus mejores obras, un modelo de eficacia comprobada para presentar, comunicar y leer fotos. Son cada vez más reconocidos como el mejor medio para presentar conjuntos fotográficos.

En el caso español, la historia de los fotolibros está determinada por los avatares de la propia historia nacional, como la Guerra Civil y la transición democrática, temas de algunos de los mejores trabajos. Además de la propaganda, también son asuntos destacados los cambios en la imagen y el papel social de los campesinos y, sobre todo, de la mujer. La relación entre literatura y fotografía es otra característica de los fotolibros españoles, entre los que hay asimismo obras más cercanas a la historia internacional de los fotolibros, como las publicaciones de temática urbana.

El estudio de los fotolibros está provocando una relectura de la historia de la fotografía en diversos países. Algo que también está ocurriendo en el caso español. Junto a fotógrafos conocidos (tales como José Ortiz Echagüe, Alfonso, Francesc Català-Roca, Ramón Masats, Xavier Miserachs, Francisco Ontañón o Colita), esta exposición mostrará a un buen número de autores de primera fila poco menos que inéditos, a pesar de haber publicado en su momento espléndidos conjuntos fotográficos; es el caso de fotógrafos como Antonio Cánovas, la obra colectiva de Misiones Pedagógicas, José Compte, Enrique Palazuelo, Luis Acosta Moro o Salvador Costa.

Distintos ángulos

La exposición comienza con tres fotolibros editados antes de 1936, entre los que destaca el más antiguo de todos ellos, ¡Quién supiera escribir!… (1905), adaptación fotográfica de un poema de Ramón de Campoamor publicada como una serie de postales y un fotolibro. La secuencia de imágenes, realizada por Antonio Cánovas, es una recreación con actores y escenografía teatral, “un conjunto de cuadros vivos subtitulados como el cine, que en 1905 es todavía tan nuevo como el fotolibro”, comenta Horacio Fernández, comisario de la muestra.

El medio rural y sus habitantes son analizados a comienzos del siglo XX desde dos ángulos completamente distintos: la mirada al pasado de José Ortiz Echagüe y las publicaciones progresistas desarrolladas por Misiones pedagógicas. Echagüe documenta la vida popular durante los años veinte buscando la tradición en Spanische Köpfe (Tipos y trajes de España), uno de los libros fotográficos españoles de mayor difusión, editado 12 veces a partir de 1929. Misiones pedagógicas es un proyecto colectivo de la Segunda República cuyo objetivo es acercar lo urbano al mundo rural a través de la cultura.

El fotolibro colectivo Madrid (1937) retrata el asedio de la capital visto desde la retaguardia más que desde el frente. Mujeres de la Falange (1939), de José Compte, reúne una colección de fotografías publicadas en revistas y en formato de tarjetas postales. Las mujeres vuelven a ser protagonistas en Antifémina (1977), “un fotolibro que intenta representar a la mujer «que no quiere ver nadie», pero «es auténtica y real, la que no tiene veinte años, la que no es guapa». La escritoria Maria Aurèlia Capmany y la fotógrafa Colita realizan “un ensayo visual y político, un manifiesto a favor de las mujeres, pero contra la feminidad”, comenta el comisario.

La muestra, que coincide con la celebración de PHE2014, se completa con la publicación de un catálogo razonado, coeditado por el Museo Reina Sofía, AC/E y RM.

Vía: hoyesarte

El Museo Reina Sofía (Madrid) acoge la exposición Fotos & libros. España 1905-1977, un recorrido por la historia del fotolibro español, que comienza a principios del siglo XX y termina a mediados de los años setenta, con una selección de obras de la colección del propio Museo, contextualizadas y acompañadas de un variado material complementario.

Durante mucho tiempo, la consideración estética de la fotografía se limitó a imágenes individuales, capaces de funcionar de manera semejante a pinturas o grabados, esquema desarrollado igualmente por historiadores y conservadores de museos para formar un canon de “obras maestras” para su estudio y exhibición. Pero este modelo no es el único, y muchos fotógrafos no pueden sintetizar su trabajo en una sola imagen, concibiendo su obra en forma de serie.

Ambos modelos generan dos historias de la fotografía coherentes: una compuesta por fotos para colgar en las paredes, con un número limitado de copias, a la venta en galerías de arte; y otra en forma de libros, con posible reedición, disponibles en librerías. La mayoría de los fotógrafos prefieren esta última opción: “los cuadros en las paredes y las fotos en los libros” (Cartier-Bresson).

Presentar, comunicar y leer

Un fotolibro es una publicación compuesta por fotografías ordenadas como conjuntos de imágenes con argumentos y significados complejos. Es el medio utilizado por algunos de los principales fotógrafos para producir sus mejores obras, un modelo de eficacia comprobada para presentar, comunicar y leer fotos. Son cada vez más reconocidos como el mejor medio para presentar conjuntos fotográficos.

En el caso español, la historia de los fotolibros está determinada por los avatares de la propia historia nacional, como la Guerra Civil y la transición democrática, temas de algunos de los mejores trabajos. Además de la propaganda, también son asuntos destacados los cambios en la imagen y el papel social de los campesinos y, sobre todo, de la mujer. La relación entre literatura y fotografía es otra característica de los fotolibros españoles, entre los que hay asimismo obras más cercanas a la historia internacional de los fotolibros, como las publicaciones de temática urbana.

El estudio de los fotolibros está provocando una relectura de la historia de la fotografía en diversos países. Algo que también está ocurriendo en el caso español. Junto a fotógrafos conocidos (tales como José Ortiz Echagüe, Alfonso, Francesc Català-Roca, Ramón Masats, Xavier Miserachs, Francisco Ontañón o Colita), esta exposición mostrará a un buen número de autores de primera fila poco menos que inéditos, a pesar de haber publicado en su momento espléndidos conjuntos fotográficos; es el caso de fotógrafos como Antonio Cánovas, la obra colectiva de Misiones Pedagógicas, José Compte, Enrique Palazuelo, Luis Acosta Moro o Salvador Costa.

Distintos ángulos

La exposición comienza con tres fotolibros editados antes de 1936, entre los que destaca el más antiguo de todos ellos, ¡Quién supiera escribir!… (1905), adaptación fotográfica de un poema de Ramón de Campoamor publicada como una serie de postales y un fotolibro. La secuencia de imágenes, realizada por Antonio Cánovas, es una recreación con actores y escenografía teatral, “un conjunto de cuadros vivos subtitulados como el cine, que en 1905 es todavía tan nuevo como el fotolibro”, comenta Horacio Fernández, comisario de la muestra.

El medio rural y sus habitantes son analizados a comienzos del siglo XX desde dos ángulos completamente distintos: la mirada al pasado de José Ortiz Echagüe y las publicaciones progresistas desarrolladas por Misiones pedagógicas. Echagüe documenta la vida popular durante los años veinte buscando la tradición en Spanische Köpfe (Tipos y trajes de España), uno de los libros fotográficos españoles de mayor difusión, editado 12 veces a partir de 1929. Misiones pedagógicas es un proyecto colectivo de la Segunda República cuyo objetivo es acercar lo urbano al mundo rural a través de la cultura.

El fotolibro colectivo Madrid (1937) retrata el asedio de la capital visto desde la retaguardia más que desde el frente. Mujeres de la Falange (1939), de José Compte, reúne una colección de fotografías publicadas en revistas y en formato de tarjetas postales. Las mujeres vuelven a ser protagonistas en Antifémina (1977), “un fotolibro que intenta representar a la mujer «que no quiere ver nadie», pero «es auténtica y real, la que no tiene veinte años, la que no es guapa». La escritoria Maria Aurèlia Capmany y la fotógrafa Colita realizan “un ensayo visual y político, un manifiesto a favor de las mujeres, pero contra la feminidad”, comenta el comisario.

La muestra, que coincide con la celebración de PHE2014, se completa con la publicación de un catálogo razonado, coeditado por el Museo Reina Sofía, AC/E y RM.

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Una mirada a la mejor fotografía española

Posted in Artistas, exposiciones on Marzo 27th, 2014 by Luz – Be the first to comment

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El Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires (Argentina) reúne a 14 fotógrafos españoles galardonados con el Premio Nacional de Fotografía en la muestra ‘La mirada en el otro’, que realiza una síntesis de la historia de la fotografía en nuestro país en los últimos sesenta años.

En ella está representada la sociedad de la posguerra, con piezas de Gabriel Cualladó, Ramón Masats, Carlos Pérez Siquier o Joan Colom; la generación de fotógrafos que inician su trayectoria en los años 70, con el trabajo documental de Cristina García Rodero; el universo particular de Toni Catany y del argentino afincado en España Humberto Rivas; la efervescencia de los años 80, el período más pop con obras de creadores pertenecientes a la “movida madrileña” como Alberto García-Alix, Pablo Pérez–Mínguez y Ouka Leele; y, por último, las tendencias más actuales de la fotografía conceptual a través de fotógrafos como Chema Madoz, Joan Fontcuberta, Manuel Vilariño o Bleda y Rosa.

Esta visión de conjunto permite apreciar tanto los cambios producidos en las creaciones de estos fotógrafos como las transformaciones suscitadas en la sociedad española y, al mismo tiempo, posibilita la generación de nexos innovadores entre las obras de los diferentes artistas. El carácter documental de las fotografías traduce todos estas vicisitudes.

Como proyecto itinerante, La mirada en el otro ha visitado, antes de aterrizar en Buenos Aires, otras ciudades como Madrid, Lisboa, Tokio, Nueva York, Ljubliana, Washington, Miami y Ciudad de México.

Vía: hoyesarte

Encuentros de Fotografía Contemporánea

Posted in Artistas, creatividad, exposiciones on Marzo 5th, 2014 by Luz – Be the first to comment

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El Institut Français de Madrid organiza y acoge la exposición1+1=12. Encuentros de Fotografía Contemporánea, un proyecto desarrollado a lo largo de seis muestras y encuentros con el público que propone el diálogo entre seis parejas de fotógrafos que confrontarán sus ideas para generar un discurso expositivo común.

La muestra se presenta en la Galerie du 10 del Institut Français entre los meses de marzo, abril y mayo, con unos participantes de excepción, autores con una trayectoria destacada en la fotografía contemporánea y en otras de sus vertientes como la educación o la edición.

Entre los nombres destacados hay que mencionar a Cristina De Middel y Ricardo Cases, Iñaki Domingo y Alejandro Marote, Jon Cazenave y Julián Barón, Fosi Vegue y Óscar Monzón, Juan Valbuena y Roger Guaus, Antonio Xoubanova y Aleix Plademunt.

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Yoko Ono, retrospectiva en el Guggenheim

Posted in Artistas, exposiciones on Febrero 27th, 2014 by Luz – Be the first to comment

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El Museo Guggenheim Bilbao presenta entre marzo y agosto una gran retrospectiva dedicada a Yoko Ono (Tokyo, 1933) que incluirá casi doscientos objetos, películas, documentación de performances, instalaciones, dibujos, fotografías, además de obras de texto y de audio.

Titulada Half-A-Wind Show, esta gran retrospectiva, organizada con motivo de su 80 cumpleaños, ofrece una visión completa de la múltiple producción de esta pionera del Arte Conceptual.

En su obra, las ideas son el componente principal, no la materia; muchas de ellas son poéticas, absurdas y utópicas, otras son específicas y realizables. Reflejan el humor de la artista así como su pronunciada actitud socio-crítica. Mientras algunas ideas se convierten en objetos, otras permanecen inmateriales.

El papel del público

El punto de partida para muchas obras se encuentra en las Instrucciones de Yoko Ono, directrices orales o escritas para el espectador que sugieren un cierto enfoque, asignando al público un papel mucho más importante que al que está acostumbrado.

La exposición, organizada en secciones, comenzará con las obras significativas de la década de 1960, entre ellas sus primeras performances, trabajos sobre papel y objetos. Otros capítulos se han reservado para su producción fílmica y para su trabajo musical. La última sección presentará instalaciones recientes, algunas de ellas desarrolladas especialmente para esta exposición.

Vía: hoyesarte

El Museo Guggenheim Bilbao presenta entre marzo y agosto una gran retrospectiva dedicada a Yoko Ono (Tokyo, 1933) que incluirá casi doscientos objetos, películas, documentación de performances, instalaciones, dibujos, fotografías, además de obras de texto y de audio.

Titulada Half-A-Wind Show, esta gran retrospectiva, organizada con motivo de su 80 cumpleaños, ofrece una visión completa de la múltiple producción de esta pionera del Arte Conceptual.

En su obra, las ideas son el componente principal, no la materia; muchas de ellas son poéticas, absurdas y utópicas, otras son específicas y realizables. Reflejan el humor de la artista así como su pronunciada actitud socio-crítica. Mientras algunas ideas se convierten en objetos, otras permanecen inmateriales.

El papel del público

El punto de partida para muchas obras se encuentra en las Instrucciones de Yoko Ono, directrices orales o escritas para el espectador que sugieren un cierto enfoque, asignando al público un papel mucho más importante que al que está acostumbrado.

La exposición, organizada en secciones, comenzará con las obras significativas de la década de 1960, entre ellas sus primeras performances, trabajos sobre papel y objetos. Otros capítulos se han reservado para su producción fílmica y para su trabajo musical. La última sección presentará instalaciones recientes, algunas de ellas desarrolladas especialmente para esta exposición.

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El gran paisaje en blanco y negro en una exposición

Posted in Artistas, Blanco & Negro, creatividad, exposiciones on Febrero 11th, 2014 by Luz – Be the first to comment

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En el post de hoy en Nuzart, los chicos de altfoto nos descubren a una gran fotógrafa aficionada, que hace fotografías en balnco y negro sobre paisajes increíbles.

Maria Antonia García de la Vega no es conocida, y sólo a algunos fotógrafos de Madrid les puede sonar su nombre, como secretaria de la Real Sociedad Fotográfica de Madrid. Es una fotógrafa aficionada, pero pocas personas pueden hacer el paisaje en blanco y negro como ella.

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Cinco exposiciones retrospectivas de grandes fotógrafos internacionales

Posted in exposiciones on Febrero 3rd, 2014 by Luz – Be the first to comment

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Durante este 2014, la Fundación Mapfre presenta en Madrid cinco exposiciones retrospectivas de grandes fotógrafos internacionales. Desde Lynne Cohen a Vanessa Winship, pasando por Stephen Shore, Alvin Langdon Coburn o el mítico Henri Cartier-Bresson. Cinco citas ineludibles que el amante de la fotografía no se puede perder. Les ofrecemos un pequeño adelanto. read more »

Nubes tóxicas y deficiencias fotográficas

Posted in Artistas, creatividad, exposiciones on Enero 23rd, 2014 by Luz – Be the first to comment

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La galería Helga de Alvear (Madrid) acoge la exposición Looking at the window, una muestra en la que el fotógrafo Adrian Sauer exhibe instantáneas con aspecto de nube tóxica de un cielo que roza lo abstracto.

Estas nubes son el argumento y el sujeto de las imágenes. Sus colores han sido retocados digitalmente hasta conseguir un espectro cromático idealizado. El gran formato de las fotografías exige una alta resolución a la cámara compacta que utiliza Sauer, consiguiendo que el cielo, visto tan de cerca, se desintegre en millones de píxeles de tamaño milimétrico.

Además de los paisajes de nubes, Sauer expone otra serie de seis fotografías de papel cuadriculado. Al examinarlas con atención y compararlas entre sí se advierten líneas curvas en cada una de las cuadrículas que rompen con la rectitud de las mismas.

Estas imágenes ponen de manifiesto las deficiencias inherentes a la tecnología fotográfica. De este modo, Sauer nos brinda la oportunidad de reflexionar sobre las características visuales y técnicas del arte fotográfico en sí mismo.

Tras estudiar Bellas Artes y Fotografía en la Academia de Artes Visuales de Leipzig, Sauer fundó con otros artistas la Galería Amerika. Sus trabajos han participado en numerosas exposiciones colectivas, además de ser adquiridos por colecciones públicas y privadas como el Ludwig Forum y el Museum Folkwang en Alemania, el Banco de España en Madrid o la Albright-Knox Art Gallery en Estados Unidos.

Vía: hoyesarte

La galería Helga de Alvear (Madrid) acoge la exposición Looking at the window, una muestra en la que el fotógrafo Adrian Sauer exhibe instantáneas con aspecto de nube tóxica de un cielo que roza lo abstracto.

Estas nubes son el argumento y el sujeto de las imágenes. Sus colores han sido retocados digitalmente hasta conseguir un espectro cromático idealizado. El gran formato de las fotografías exige una alta resolución a la cámara compacta que utiliza Sauer, consiguiendo que el cielo, visto tan de cerca, se desintegre en millones de píxeles de tamaño milimétrico.

Además de los paisajes de nubes, Sauer expone otra serie de seis fotografías de papel cuadriculado. Al examinarlas con atención y compararlas entre sí se advierten líneas curvas en cada una de las cuadrículas que rompen con la rectitud de las mismas.

Estas imágenes ponen de manifiesto las deficiencias inherentes a la tecnología fotográfica. De este modo, Sauer nos brinda la oportunidad de reflexionar sobre las características visuales y técnicas del arte fotográfico en sí mismo.

Tras estudiar Bellas Artes y Fotografía en la Academia de Artes Visuales de Leipzig, Sauer fundó con otros artistas la Galería Amerika. Sus trabajos han participado en numerosas exposiciones colectivas, además de ser adquiridos por colecciones públicas y privadas como el Ludwig Forum y el Museum Folkwang en Alemania, el Banco de España en Madrid o la Albright-Knox Art Gallery en Estados Unidos.

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La galería Helga de Alvear (Madrid) acoge la exposición Looking at the window, una muestra en la que el fotógrafo Adrian Sauer exhibe instantáneas con aspecto de nube tóxica de un cielo que roza lo abstracto.

Estas nubes son el argumento y el sujeto de las imágenes. Sus colores han sido retocados digitalmente hasta conseguir un espectro cromático idealizado. El gran formato de las fotografías exige una alta resolución a la cámara compacta que utiliza Sauer, consiguiendo que el cielo, visto tan de cerca, se desintegre en millones de píxeles de tamaño milimétrico.

Además de los paisajes de nubes, Sauer expone otra serie de seis fotografías de papel cuadriculado. Al examinarlas con atención y compararlas entre sí se advierten líneas curvas en cada una de las cuadrículas que rompen con la rectitud de las mismas.

Estas imágenes ponen de manifiesto las deficiencias inherentes a la tecnología fotográfica. De este modo, Sauer nos brinda la oportunidad de reflexionar sobre las características visuales y técnicas del arte fotográfico en sí mismo.

Tras estudiar Bellas Artes y Fotografía en la Academia de Artes Visuales de Leipzig, Sauer fundó con otros artistas la Galería Amerika. Sus trabajos han participado en numerosas exposiciones colectivas, además de ser adquiridos por colecciones públicas y privadas como el Ludwig Forum y el Museum Folkwang en Alemania, el Banco de España en Madrid o la Albright-Knox Art Gallery en Estados Unidos.

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Exposición de fotografías realizadas por los robots exploradores Opportunity y Spirit

Posted in exposiciones, Fotografía on Enero 14th, 2014 by Luz – Be the first to comment

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Hace 10 años aterrizaron en Marte dos robots exploradores, el Opportunity y el Spirit y empezaron a darse paseos por la superficie del planeta y sacar fotos que ahora se pueden disfrutar gracias a la exposición organizada por el Smithsonian National Air and Space Museum de Washington. Y está llena de fotografías increíbles de Marte, llenas de colores que no seríamos capaces de asociar al denominado “planeta rojo”.

Las fotografías realizadas por el Opportunity y el Spirit, todo hay que decirlo, han sido procesadas una vez enviadas a la Tierra para darles color y coherencia.

Atarceceres marcianos, panorámicas de desiertos que recuerdan a los terrestres, materiales y texturas que nos acercan un poco a este planeta situado a millones de km. No me enrollo y os dejo con una galería de imágenes y os enlazo a la galería de la web de la NASA:

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Vía: altfoto

La fotografía contemporánea en la Fundación Telefónica

Posted in exposiciones on Enero 3rd, 2014 by Luz – Be the first to comment

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Junto con la exposición de Terry O´Neill, de la que ya hablamos en esta web, podemos disfrutar de una de las colecciones más importantes de fotografía contemporánea de España en la Fundación Telefónica de Madrid, situada en plena Gran Vía, una de las calles más bonitas y vivas del mundo.

Fue en los años setenta cuando la fotografía encontró un nuevo rumbo que a muchos nos parece lejano al espíritu original, que es dar a la obra el tamaño y la presencia de un cuadro, para tener mayor protagonismo en los museos. Esta idea, que sólo era posible en aquella época con grandes cámaras de banco atrajo a muchas galerías y coleccionistas, que veían un nuevo frente para aumentar sus negocios.

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PHotoEspaña 2014, comienza una nueva etapa

Posted in exposiciones on Diciembre 24th, 2013 by Luz – Be the first to comment

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La XVII edición de PHotoEspaña, Festival Internacional de Fotografía y Artes Visuales, se celebrará del 4 de junio al 27 de julio de 2014 y con ella comenzará una nueva etapa para el Festival. Durante las próximas tres ediciones, la programación expositiva se centrará en ámbitos geográficos en lugar de estar dedicada a una temática. Por otra parte aglutinará propuestas expositivas de diferentes comisarios.

PHotoEspaña 2014 girará en torno a la fotografía española, con varios objetivos: potenciar a autores reconocidos, dar a conocer nombres menos populares y generaciones más jóvenes, así como presentar sorpresas, rescatar determinados grupos o movimientos y apostar por autores cuya trayectoria merece un reconocimiento más amplio.

Formarán parte del programa exposiciones como La Palangana, que revisará la obra del mítico grupo de fotógrafos españoles formado a finales de los años 50 del pasado siglo, y Fotografía 2.0, que reunirá a fotógrafos que trabajan con nuevos medios.

Vía: hoyesarte