La Comunidad de Madrid colaborará con el Festival PHotoEspaña 2013, que convertirá durante algunas semanas a la ciudad de Madrid en la capital europea de la fotografía, a través de la exposición Laura Torrado, La oscuridad natural de las cosas, un repaso retrospectivo de la trayectoria de una de las artistas más completas del panorama artístico nacional que se podrá contemplar en la Sala de Exposiciones Canal de Isabel II.

La muestra reunirá más de treinta fotografías, vídeos, dibujos e instalaciones de Torrado, obras con las que se repasa el trabajo de esta peculiar artista de los últimos veinte años, a lo largo de los cuales ha ido reflexionando, fundamentalmente, sobre la identidad individual y colectiva, y sobre el modo de construirse en la actualidad.

La exploración del cuerpo

El título de la exposición, La oscuridad natural de las cosas, está tomado de un texto de Charles Baudelaire aparecido en su Salón de 1859 y hace referencia a una parte de la realidad que permanece en la sombra. La misión de la artista será desvelar algo de ese realidad oculta a través de su trabajo.

En sus series más importantes, Transhumance (1993), El dormitorio (1995), La tormenta en los ojos (1999), You (2009), Fuga de muerte (2010), Vida Suspendida (2010-2013) o Hamman (1995-2013), Torrado investiga los diferentes códigos emitidos por el cuerpo, el suyo y el de otros, en un incansable trabajo sustentado en la escultura, la puesta en escena y la actuación. Este trabajo introspectivo le ha permitido indagar en multitud de recursos expresivos como la danza o el teatro, construyendo escenas donde explorar cuerpos y rostros en una amplia gama de facetas.

La exposición se acompañará de un catálogo, donde el comisario propone un itinerario fiel, a modo de guía de la exposición, que acompaña al visitante en su recorrido por las diferentes plantas y obras expuestas, mostrando la sugerente y fértil trayectoria de Torrado.

Madrid. La oscuridad natural de las cosas. Sala de Exposiciones Canal de Isabel II.

Del 5 junio al 28 de agosto 2013.

Comisario: Mariano Navarro.

Vía: hoyesarte

La fotografía para muchos es una profesión y para otros un pasatiempo, pero siempre tiene algo de arte y, como toda disciplina artística, también puede verse afectada por el bloqueo creativo. Seguro que en más de un momento os habéis encontrado frustrados porque no se os ocurre qué fotografiar o directamente no os sentís con ganas de ir a hacer a fotos. En esos momentos es necesario buscar una chispa que encienda de nuevo la llama de la creatividad. ¿Cómo exactamente? Aquí os ofrecemos algunas ideas:

Inspírate

Date un paseo virtual por comunidades como Flickr, 500px o 1x para intentar despertar a las musas. Puedes ver al azar qué es lo que hace la gente o buscar temáticas o motivos concretos. Por ejemplo, busca fotos que se hayan hecho en tu ciudad, ya sea en lugares que conozcas o bien en lugares donde jamás has puesto un pie. Seguro que te entran ganas de hacer algo parecido o se te ocurre una forma de mejorar o de innovar.

Sal de excursión

Coge tu cámara, tu objetivo favorito y vete de paseo (esta vez real, no virtual) por tu ciudad. Perderse puede ser una buena forma de encontrar la inspiración. Si es posible, hazlo con más gente. No sólo por seguridad, que también, sino también para inspiraros unos a otros y porque, hay que reconocerlo, así es mucho más divertido.

Prueba algo diferente

¿Te gusta especialmente la fotografía de paisajes? Pues olvídate de ella durante un tiempo e intenta hacer fotografías macro. ¿Te da un poco de miedo la fotografía callejera? Pues ponte a ello. Sal de tu rutina e intenta buscar experiencias nuevas y cosas nuevas que fotografiar.

Vete de viaje

Si redescubrir tu ciudad puede acabar con tu bloqueo creativo, imagínate lo que puede hacer por ti un viaje. Es una solución cara, lo sé, pero salir de casa y ver cosas nuevas, especialmente si vas a otros países, puede ser la mejor medicina para romper con lo de siempre y que vuelvan a entrarte ganas de no soltar nunca tu cámara.

Oblígate

Obligarse a hacer algo puede hacer que una afición deje de ser divertida, pero si nos lo tomamos con filosofía quizá pueda sernos útil para esforzarnos y hacernos pensar. En el caso de la fotografía hay muchas formas de obligarnos a hacer fotos. Podemos iniciar un proyecto de fotos diarias o semanales, podemos participar en retos fotográficos online o incluso podemos tratar de ganar algún concurso de fotografía sobre algún tema concreto.

¿Y a vosotros? ¿Se os ocurran otras formas de acabar con el bloqueo y volver a darle al obturador? ¿Qué soléis hacer vosotros para invocar a las esquivas musas?

Vía: fotografía

Fotografiar con un vídrio opaco de por medio entre la cámara y el modelo ha sido un recurso más o menos recurrente a lo largo de la historia de la fotografía. Sin embargo aquí, Marek, riza el rizo situando al sujeto por encima del objetivo. Va más allá del plano nadir y, como espectadores, nos hace partícipes gracias a ese punto de vista imaginando que sobre nuestra cabeza tenemos a unos seres que piden a gritos ser liberados.

Esas manos parecen indicar que quieren salir de ese cajón donde sus almas parecen haber quedado atrapadas. De ahí la idea fantasmagórica y todas esas connotaciones de seres espectrales.

Como serie, no podría ser más sencilla, lo único que cambia es la posición del modelo. Esto nos indica que a veces no hacen falta grandes medios para contar historias, porque aunque parezca que no se nos está contando nada, bien podríamos otorgarle un sentido a cada imagen imaginándonos quién hay detrás de esos cuerpos, que no rostros porque en ningún momento se les intuyen.

La búsqueda del yo, la época del anonimato que Marek me contaba y que fue clave para llevar a cabo esta serie, serían dos lecturas más que dar a estas fotografías. Llegar a la esencia prescindiendo de toda envoltura. Encontrarse el interior de uno mismo. Sentirse flotar como una pluma pero sin dejar de poner los pies (y las manos) en el suelo.

Si echais un ojo a las distintas series de su página web, veréis que nada tienen que ver estéticamente con Latency, pero sin embargo sí se intuye ese halo de misterio e intimismo, son imágenes sobre todo urbanas donde la soledad y el silencio están presentes en cada esquina. Os invito a verlas y a reflexionar sobre qué os provocan, porque así cerraréis el círculo que Marek propone, el de dejar que el espectador saque sus propias conclusiones.

Vía: xatakafoto

Bill Cunningham lleva 50 años pateando las calles de Nueva York. Su objetivo, una larga serie de imágenes cuyo estilo ha sido copiado hasta la extenuación por muchos medios. No siempre (o más bien casi nunca) consiguiendo los mismos resultados. Pero lo que es cierto es que Cunningham ha creado una nueva escuela.

Fotografía de moda, muy simple, rozando el estilo documental. Poca técnica, pocos medios, pero que deben ir acompañados de buena fotografía, que da sentido al conjunto y que ayuda a enlazar la categoría del retrato con el reflejo del estilo de vida de una ciudad.

De estos y muchos otros temas trata este documental “Take My Picture”. Un vídeo que recorre este nuevo estilo, que ha encumbrado a gente desconocida que apostó por la revolución blogger y los nuevos fotógrafos que no siempre ha contado con el apoyo de los “peces gordos” de la industria de la moda. El documental mantiene vivo el debate: ¿es positiva la democratización de la fotografía? ¿Qué opináis?

TAKE MY PICTURE from GARAGE Magazine on Vimeo.

Vía: xatakafoto

Esta fotografía de explícito título ‘Hot & Cold’, subida por Paddyllac muestra un cubito de hielo derritiéndose con esa potente mezcla de tonos azules y rojos, fríos y cálidos, dan una fuerza especial a un motivo tan sencillo. A priori la imagen parece muy fácil, colocar un hielo sobre una superficie de calor y utilizar el modo macro para capturarlo en detalle. Pero, conforme la miraba, tenía dudas de si había algún tipo de truco detrás o simplemente conocer cómo planteó la toma.

Por lo que, quedaba claro, que cumplía con el interés suficiente como para saber un poco más sobre la foto y su autor. Tras contactar a Paddyllac, me contaba lo siguiente:

‘Hot & Cold’: datos EXIF

Cámara: Nikon D5100
Objetivo: Sigma Macro 105 mm f/2.8 EX DG
Exposicion: 1/13 s
Apertura: f/5.6
Sensibilidad: ISO 800
Fecha: 24 Febrero de 2013
Localización: Bremen (Alemania)

Y Paddyllac explicaba al respecto:

“Empecé con la fotografía poco menos de un año, con mi iPhone. La diversión fue a más, aunque más a la hora de editar las imágenes. Durante ese tiempo también he leído mucho sobre la fotografía en general. Así que la captura de fotografías se me hizo más importante que el trabajo posterior de edición.Algunos meses más tarde me decidí a comprar mi primera réflex digital. Una Nikon D5100. En ese momento leí acerca de tratar de tomar una foto cada día durante 365 días, para aprender mucho y mantenerme motivado y creativo. Así que empecé mi proyecto de 365 días. Esta foto es del día 256. No sé cómo me vino la idea. La mayoría de las veces no tengo ni idea de lo que cuál será mi próxima foto. Pienso en ello justo antes de disparar.

Esta vez estaba de pie en la cocina, mirando a mi placa (vitrocerámica). Entonces tuve la idea del cubo de hielo. Así que me puse el objetivo macro, coloqué mi cámara en un trípode y el cubito de hielo sobre la zona de cocción y tomé la foto. En Aperture, solo la edité cambiando el balance de blancos (siempre disparo RAW) con el fin de conseguir el fondo azul. Nada más.”

A pesar de llevar tampoco tiempo en esto, la verdad que su experimentación le está dando resultados interesantes, podéis visitar su galería en Flickr.

Vía: xatakafoto

Tal vez si a muchos de vosotros que visteis de pequeños aquella trilogía y quedasteis embrujados por aquella historia y crecisteis realizando construcciones con los Lego, le añadimos el recrear fotográficamente hasta el más mínimo detalle algunas de las míticas escenas de aquella saga con estos bloques, tenemos una combinación altamente adictiva.

Vesa Lehtimäki es aficionado a la fotografía, a Lego y a Star Wars. Evidentemente hay multitud de ejemplos de fotografías similares pero hasta ahora no había encontrado un grado de realismo en las escenas como las que, tras contactar ayer, cuenta este finlandés, Avanaut en Flickr, a través de sus escenas.

“Quería capturar el aspecto de un tauntaun como no había visto antes. Quería que el animal desprendiera fuerza bruta, como un caballo. Pero, ¿cómo lograr eso con un objeto inanimado y rígido como el tauntaun de Lego? Mi solución fue crear la ilusión de movimiento. Así que, después de lanzar el polvo de hornear alrededor de las figuras con un palo durante 144 logré un resultado satisfactorio. No sé si es la mejor de todas las tomas que hice.”

Su trabajo no pasa por alto ningún detalle y aunque muchas de las escenas se basan en escenas de la saga, es cierto que su autor se ha tomado algunas licencias para recrear dicho ambiente dándole un plus interpretativo pero logrando que nos transportemos a ese frío y helado planeta Hoth. Dentro del trabajo de Vesa podemos encontrar fotografía de maquetas de Star Wars pero también de figuras de acción así como algunas dedicadas a Indiana Jones. Su trabajo ha tenido reconocimient y ha llegado en alguna ocasión a figurar en portadas de algunas publicaciones alternativas que podéis visitar aquí.

Evidentemente las condiciones climatológicas de Finlandia favorecen mucho la recreación del ambiente helado del Planeta Hoth, que sale en el Episodio V: El Imperio contraataca pero eso no resta mérito alguno al trabajo de Vesa, en absoluto. De hecho, no hay más que ver el resto de sus trabajos con maquetas para darse cuenta de la precisión de todo su trabajo. Espero que os deis una vuelta por esta galería de Vesa y su web de Fotografía y Diseño. Que la Fuerza os acompañe.

Vía: xatakafoto

Las manipulaciones a las imágenes fotográficas digitales suelen tener un umbral de aceptación y un umbral de rechazo. Una foto sacada directamente de la cámara por alguna razón es considerada más “fiel” y por lo tanto mejor apreciada, mientras que aquella que ha tenido un ligero ajuste de colores y contraste, por ejemplo, puede ser descalificada. Pero aquellas que exceden la manipulación que convierten una imagen común en una irreal, pero aun así creíble, son ampliamente aceptadas. Thomas Barbèy es uno de estos ejemplos, que a través de un enorme talento, crea composiciones de alto vuelo imaginativo y un poderoso tinte surrealista, pero con el detalle que trabaja solo en analógico.

Oriundo de Ginegra Suiza, Thomas Barbèy comenzó su carrera a los 13 años a través de la pintura. Tras 17 de trabajar realizando posters de bandas de música se mudó a Italia, donde vivió 15 años en Milan como fotógrafo de modas. Hoy reside en Las Vegas, sin trabajar para clientes específicos sino que vendiendo sus propias obras de arte.

Su equipo se compone de una Canon AE1S, en el caso de utilizar 35mm, o una RB67 al utilizar formato medio. Cortando negativos, dibujando sobre estos y manipulando el film es la manera que tiene de crear mundos alternativos y realmente lo hace muy bien. No hay trazos de esos recortes, ni problemas en las uniones y todos los componentes parecen haber sido fotografiados en ese momento, sin que el retoque a mano haya intervenido. Claro que no podemos dejar de especular que algo de retoque digital puede haber allí, pero es más interesante si pensamos que no.

Os recomendamos que visiteis su web

Vía: altfoto

Se llama Pablo Ibáñez, pero se le conoce como el ‘Hombre de negro’ del programa de televisión El Hormiguero, y ha presentado su primera exposición individual como fotógrafo, una selección de 38 retratos realizados a los invitados que han visitado recientemente El Hormiguero que se exhiben durente el mes de diciembre en el Espacio de las Artes de El Corte Inglés bajo el título Diario de Pablo Ibáñez. Ver fotogalería

La venta de estas imágenes, pertenecientes a su colección privada, tiene un fin benéfico. Los beneficios irán destinados a la Fundación Juegaterapia, cuyo objetivo es paliar la soledad y aislamiento que sufren en el hospital los niños con una enfermedad de larga duración, entregándoles consolas con videojuegos y creando zonas de recreo para el ocio en los propios centros hospitalarios.

Las fotografías son protagonizadas principalmente por los invitados que cada noche acuden al programa de Pablo Motos. La confianza y la complicidad que surge entre los invitados y el colaborador termina en una pequeña sesión de fotos. En ella, Pablo Ibáñez aprovecha el momento de relajación del personaje después de la grabación del programa, en su camerino, y le pide la realización de tres únicas fotografías con un gesto diferente cada una.

La conexión entre ambos se traduce en estas instantáneas llenas de frescura de personajes como Mel Gibson, Justin Bieber, Luis Tosar, Will Smith, Tom Cruise, Jon Kortajarena, David Guetta, Ferran Adrià, Vicente del Bosque o Denzel Washington, entre muchos otros.

Vía: hoyesarte

Fotografía Épica ¿Por qué?

Clyde Butcher, es hasta el momento actual, es uno de los mayores contribuidores en dar a conocer el paisaje estadounidense y además de una forma muy especial. Su concepto de la escala y las proporciones es magistral. Es precisamente dicho dominio lo que hace que sus paisajes tomen un carácter monumental.

Blanco y Negro Monumental ¿Por qué?

Pues en gran parte por su forma de concebir la fotografía. Según cuenta el propio Butcher, la esencia de la fotografía tiene una doble vertiente: ver la imagen con el corazón y saber lo suficiente de técnica para conseguir una buena toma. Hay mucha gente que sabe mucha información técnica sobre aspectos fotográficos y que piensan que si encontraran la gran receta de la técnica podrían conseguir grandes resultados (e incluso que se creen que ya los tienen), según Clyde Butches, se equivocan. Se han olvidado de mirar con su corazón, con su alma, y eso es lo único que puede inspirar emoción en el espectador. Por eso, es inevitable su comparación con Ansel Adams.

Hasta la fecha Clyde Butcher sigue trabajando como aprendió hace muchísimos años. Verle trabajar es volver a ver a los fotógrafos de hace 60 años pero sin que ello desmerezca en modo alguno su trabajo, ni mucho menos.

En Nuzart te ofrecemos la posibilidad de comprar obras de artistas que exponen en nuestra galería, para redecorar cualquier rincón de nuestras casas.

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Vía: xatakafoto / Compra de obras de Nuzart: Nuzart.com

El Centro Cultural Bancaja de Valencia acoge hasta el 5 de enero de 2013 la exposición Andy Warhol Superstar, que ofrece la oportunidad de realizar un recorrido por su trabajo gráfico a través de una selección de 63 obras procedentes del Andy Warhol Museum de Pittsburgh (EE.UU.)

Andy Warhol Superstar propone un viaje por la trayectoria de uno de los artistas decisivos de la segunda mitad del siglo XX y máximo exponente del triunfo del arte pop a través de una selección de piezas creadas por Warhol entre principios de la década de los 60 y poco antes de su muerte en 1987.

Obras clave

Comisariada por Fernando Castro, profesor de Estética y Teoría de las Artes de la Universidad Autónoma de Madrid, la exposición permite contemplar imágenes tan relevantes en la obra del artista como las latas de sopa Campbell o los retratos de personalidades y famosos como Marilyn Monroe, Man Ray, George Gershwin, Liza Minnelli, Albert Einstein, John Wayne, Michael Jackson o Muhammad Ali, además de un autorretrato.

El recorrido incluye también piezas con temas recurrentes en su obra, como la obsesión por el dinero, que se refleja en la serie $; versiones de obras maestras de la historia de la pintura, e incluso la imagen de la hoz y el martillo ‘despolitizados’.

Fotografía y serigrafía

Warhol empleó a lo largo de su producción artística la fotografía y la serigrafía como técnicas vertebrales en la construcción de su estilo. La multiplicación de la imagen, la seriación y la producción de pequeñas diferencias dominan estas piezas.

El montaje de la exposición incluye la recreación de parte del escenario de la mítica Factory, el espacio neoyorquino que Warhol convirtió en el punto de encuentro y creación de artistas y estrellas del momento. En él se puede contemplar una muestra de su faceta cinematográfica a través de la proyección de algunos de sus audiovisuales y que tienen como protagonistas a personajes como Bob Dylan o a la actriz Edie Sedwick.

Si te gusta la obra de Andy Warhol, puedes comprar fotografías inspiradas en  la obra de este autor en nuestra Gallería Nuzart.

O si lo prefieres, puedes diseñar tus propios cuadros personalizados de Warhol con tu fotografía entrando en la web de NovaPop.

Vía: hoyesarte